История мировой культуры в художественных памятниках - Александр Никонов

«Джоконда, или Мона Лиза дель Джоконда». Леонардо да Винчи. Лувр (1503-1505)

Джоконда, или Мона Лиза дель Джоконда – шедевр мировой живописи, самый знаменитый и загадочный портрет в мире. Написан непревзойденным гением итальянского Возрождения Леонардо да Винчи (1452-1519) в 1503-1505 гг., во время его второго пребывания во Флоренции.

Портрет изображает молодую неаполитанку Мону Лизу, жену знатного флорентийца Франческо дель Джокондо. Во время работы Леонардо «держал певцов, музыкантов и постоянно шутов, поддерживавших в ней веселость, чтобы избежать той унылости, которую живопись обычно придает портретам». По сообщению Джорджо Вазари (1511-1574) полотно так и осталось незавершенным. После смерти Леонардо его ученик, получивший по завещанию картины учителя, продал портрет Джоконды французскому королю Франциску I. Ныне картина хранится в парижском Лувре.

Джоконда многолика, запомнить ее, сфотографировать и унести в памяти невозможно, каждый раз она будет иной. Это «живой» портрет в нем отразились вера и сомнение, скепсис и раздумья о быстротечности жизни, возвышенная печаль и изысканная утонченность души, недаром ее называли Джокондой (Gioconda от итал. Gioco – игра, насмешка, интрига). Она – загадка, которую невозможно разгадать, но которой можно восхищаться.

Как символ непреходящей ценности широко обыгрывается в современном искусстве.

«Сикстинская Мадонна» Рафаэль. Дрезденская картинная галерея (1515-1519)

Рафаэль «Сикстинская Мадонна», 1515-1519 годы. Дрезденская картинная галерея. Рафаэль, Раффаэлло Санти или Санцио из Урбино (1483-1520) – крупнейший итальянский живописец, прекрасный рисовальщик и архитектор Высокого Возрождения.

Подлинной вершиной творчества Рафаэля явилась «Сикстинская Мадонна», написанная им для алтаря монастырской церкви Святого Сикста в небольшом городе Пьяченце в Эмилии-Романье. В ней заключено глубокое воплощение темы материнства. Кажется, ничто не предвещает беды, поет сладкоголосый хор ангелов, славящих Марию с Сыном, не отрывает восторженного взора от Богоматери коленопреклоненный папа Сикст, смиренно опустила глаза Святая Варвара. Но во взгляде Матери и Сына тревога, грусть и задумчивость, предчувствие великой будущности и душевная чистота. Мария, легко ступая по клубящимся облакам, идет навстречу судьбе, той буре, предвестник которой ветер уже играет складками ее одеяния. Всякий, кто видел ее, невольно склоняет голову пред неземной красотой и божественным младенцем у нее на руках.

В 1754 году «Сикстинская Мадонна» была приобретена королем Августом III Саксонским и перевезена в его Дрезденскую резиденцию. Двор саксонских курфюрстов заплатил за картину 20 000 цехинов (золотая венецианская монета) – сумма немалая для того времени, но, безусловно, эта картина бесценна. Рафаэль прожил ровно 37 лет и умер в день своего рожденья 6 апреля 1520 года, в Великую пятницу поста накануне Пасхи. Рим был погружен в траур. Современники считали Рафаэля носителем божественных начал, одним из немногих, кому доступны были прозрения в неведомое и недоступное; и пример тому его «Сикстинская Мадонна».

Чандосский портрет Шекспира. Неизвестный художник. Национальная портретная галерея, Лондон (начало XVII в.)

«Театр «Глобус» в Лондоне». И. Висхер, акварель (1616)

Уильям Шекспир (1564-1616) – лучший драматург и поэт английского Возрождения. Лондонский пейзаж с театром «Глобус». Акварель И. Висхера. (1616)

«Глобус» являлся одним из старейших театров Англии. Он действовал с 1599 по 1644 год. В этом театре до 1642 года играла труппа «Слуги лорда Камергера», возглавлявшаяся ведущим актером театра трагиком Ричардом Бербеджем. С 1594 по 1613 год Уильям Шекспир был постоянным членом этой труппы. Постановки произведений Шекспира и других драматургов эпохи Возрождения сделали «Глобус» одним из важнейших центров культурной жизни страны. Театр был восьмигранным, его зрительный зал представлял собой овальную площадку, обнесенную высокой стеной, по внутренней стороне которой шли ложи для аристократии. Над ними размещалась галерея для зажиточных граждан, остальные стояли на земле, с трех сторон окружая помост, некоторые привилегированные зрители сидели на самой сцене. Театр вмещал до 2000 человек.

В 1613 году при исполнении «Генриха VIII» театральная пушка неудачно выпалила, огонь зажег соломенный навес над сценой; «Глобус» сгорел, но вновь был отстроен в камне. В 1644 году здание театра было снесено по приказу парламента.

Спектакли шли при дневном свете без антрактов и почти без декораций, рассчитывая на воображение зрителей. Шекспировские пьесы требовали от актеров естественности, когда всякая страсть должна знать свою меру, и сообразованности всякого действия с речью. В XX веке режиссеры не раз будут возвращаться к принципам бедного, аскетического театра времен Шекспира, вплоть до эксперимента с размещением зрителей на сцене. А пьесы Шекспира никогда не будут сходить с театральных подмостков, киноэкрана, потому что в них затрагиваются общечеловеческие проблемы и ценности.

Европейская культура Нового времени

«Союз Земли и Воды». Питер Пауль Рубенс. Эрмитаж (между 1612-1615)

«Союз Земли и Воды» (между 1612-1615). Эрмитаж, Санкт-Петербург – картина выдающегося фламандского живописца Питера Пауля Рубенса (1577-1640).

Рубенс был одним из тех немногих художников, кому удалось завоевать мировую славу еще при жизни, с легкостью достигать гармонии между запросами времени и своими художественными идеалами, ничем при этом не жертвуя. У него было столько заказов, что не хватало даже его многочисленных помощников и часов в сутках.

Полотно Рубенса «Союз Земли и Воды» глубоко символично. В нем слились воедино: античная мифология и политические реалии XVII века, жизнелюбие фламандцев, пышность и сочность рубенсовской кисти. «Союз Земли и Воды» – это союз по земному прекрасной и чувственной богини земли и плодородия Кибелы с суровым морским богом Нептуном.

Скрытым лейтмотивом картины стало соединение города Рубенса, крупного морского порта, Антверпена (Кибела) через главную водную артерию города реку Шельду с морем (Нептун). Достойный союз венчает Слава, подчеркивая его значение для фламандцев.

В то время как раз вновь появилась надежда на снятие голландской блокады с устья Шельды. В картине используется традиционная ренессансная схема, с уравновешенной композицией в виде треугольника. Но Рубенс уже разрушает замкнутость произведения, соединяя пространство холста с реальным. Барочная экспрессия становится у него животворящей силой самой природы, воплощающей трепещущую восторженную красоту мира.

«Возвращение блудного сына». Рембрандт Харменс ван Рейн. Эрмитаж (ок. 1668-1669)

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669) «Возвращение блудного сына», около 1668-1669 года. Эрмитаж, Санкт-Петербург.

В 1632 году Рембрандт обосновался в Амстердаме. К нему приходят успех, слава, материальное благополучие, счастье в браке. Он покупает прекрасный дом, увлекается коллекционированием. Казалось бы, его судьба должна была стать своего рода амстердамским вариантом жизни Рубенса в Антверпене. Однако вскоре после этого Рембрандт начал использовать заказываемые ему работы для углубления своих творческих исканий, что вызывало недоумение у заказчиков.

В 1642 году была отвергнута картина «Ночной дозор», умерла его любимая жена Саския. Это привело его к одиночеству. На смену веселому, бравурному, как в «Автопортрете с Саскией на коленях», восприятию жизни приходит раздумье.

Осенью 1663 года он второй раз овдовел, а пять лет спустя, похоронил своего единственного, двадцатисемилетнего сына Титуса. Последние силы художник отдал самой исповедальной и задушевной своей картине о блудном сыне, о несокрушимой силе любви, прошедшей через страдания. «Возвращение блудного сына» воссоздает библейскую притчу (Евангелие от Луки 15:11-32) о юноше, который покинул отца, быстро растратил деньги и после долгих мытарств вернулся в родной дом, где его встретили с радостным прощением, которое уже впрочем, не утешает, а еще больше разрывает сердце возвратившегося. Композиция обращена к зрителю, он оказывается в одном кругу с изображенными в картине случайными свидетелями встречи отца и сына, ставя последних вне времени – заставляя нас задуматься. Как и «Возвращению блудного сына», так и большинству других картин Рембрандта больше всего свойственен глубокий психологизм.

«Свобода ведет народ». Эжен Делакруа. Лувр. Париж (1830)

Картина французского художника Эжена Делакруа (1798-1863) «Свобода ведет народ», написанная им в 1830 году. Она является одной из самых значительных работ этого блестящего мастера романтической школы. Гений Делакруа непостижимым образом соединил в себе творческую страстность и темпераментность с редким хладнокровием и терпением, талант живописца и графика с талантом писателя, критика, теоретика и историка искусства.